Les Fleurs Gelées

D’après La Fête à Solhaug de Henrik Ibsen et La Femme de Sire Bengt de August Strindberg, Adaptation, chansons et textes additionnels et mise en scène: Léonard Matton

Dramaturgie: Roch-Antoine Albaladejo, Musique: Jules Matton, Scénographie: Aurélia Michelin d'après des dessins originaux de Luc-François Granier, Lumières: Mohamed Mokaddemini, Création costumes: Agatha Ruiz de la Prada, Chorégraphie: Julien Dusart et Philippe Lamassoure

Avec Julie Cavanna, Marjorie de Larquier, Mathias Marty, Léonard Matton, Alexis Michalik ou Benjamin Penamariaet Nicolas Saint-Georges

Au Théâtre 13, 103A, boulevard Auguste-Blanqui - 75013 Paris, jusqu'au 13 février 

En 1956, alors âgé de 28 ans Henrik Ibsen écrivit "La fête à Solhaug". Vingt-quatre années plus tard, âgé de 31 ans, August Strinberg en écrira une suite: "La femme de Sire Bengt".

Jeune aussi, mais déjà auteur de plusieurs mise en scène, dont un original "Malade imaginaire" au Lucernaire la saison passée, Léonard Matton, a éprouvé le besoin de réunir et d'adapter ces deux textes sous un titre à l'accent oxymorique: "Les Fleurs Gelées", tragi-comédie baroque.

Bien que transposées au temps médiévaux, ces deux intrigues préfigurent déjà le regard acéré que les deux auteurs porteront sur leurs contemporains, notamment la bourgeoisie et sa morale. Il nous est permis de croire que cette transposition en d'autres temps est une ruse de jeunesse permettant l'économie d'une confrontation avec les préjugés de leurs ainés. La quête d'absolu de leurs héros se heurte aux lois et coutumes prédominantes.

S'il reste fidèle au sens et enjeux des deux textes qui grâce à lui ne font plus qu'un, Léonard Matton ne se prive pas de se jouer des formes de leur représentation. Un prélude insolite nous invite à un lâcher prise des attendus de la représentation théâtrale qui rodent encore plus ou moins dans la tête de tout spectateur. La belle scénographie d'Aurélia Michelin ne nous donne pas d'indication sur l'espace géographique où se situe l'action. Peut-être tout au plus verrons nous la figure de trolls dans les dessins inquiétants de Luc-François Granier, qui ornent les bannières accrochées aux cintres. Le choix des costumes aux formes et aux couleurs extravagantes d'Agatha Ruiz de la Prada habite et couronne le tout.

Tant par la générosité de leur jeu que par la qualité de leur diction, les comédiens se régalent en nous régalant. Marjorie de Larquier est une Margit inquiète et inquiétante qui préfigure les personnages féminins du théâtre d'Ibsen et de Strinberg.

En accentuant l'anachronisme proposé par les illustres dramaturges qu'étaient Ibsen et Strinberg, Léonard Matton le dépasse pour nous conduire vers une intemporalité qui offre aux spectateurs la possibilité d'une approche contemporaine. Par cet abord baroque et burlesque de la tragédie, la gravité n'est pas édulcorée, ni dénaturée. Le sourire et le rire ouvrent ici, des portes vers l'attention et la compréhension, là où certaines propositions "sérieuses" auraient suscité le désintéressement, voire l'ennui d'une grande partie du public. Voilà pour moi un bel exemple de ce que peut être un théâtre à la foi populaire et exigeant.

Parlez-moi d’amour, d’après les nouvelles Intimité et Le bout des doigts de Raymond Carver

Adaptation et mise en scène Jacques Lassalle

Avec: Catherine Rétoré: Elle, Jean-Philippe Puymartin: Lui, Olivier Augrond: l’adjoint du shérif (Le bout des doigts), Julien Bal Frank: l’éleveur (Le bout des doigts)

Assistant à la mise en scène: Julien Bal, scénographie: Géraldine Allier, lumière: Franck Thévenon, costumes: Florence Sadaume, son: Daniel Girard

Coproduction Théâtre Vidy-Lausanne ; Compagnie pour mémoire

Au Théâtre de l'Atalante, jusqu’au 20 décembre

Jacques Lassalle adapte deux récits de Raymond Carver pour le théâtre: "Intimité" et "Le bout des doigts". Tous deux extraits d'un recueil de nouvelles: "Les Trois Roses jaunes", titre éponyme de la dernière d'entre elles dans laquelle il rend un bel et vibrant hommage à Tchekhov.

Deux nouvelles qui ont en point commun le délitement du couple, consommé mais mal digéré dans "Intimité", naissant et en devenir dans "Le bout des doigts".

Mais le propos est ailleurs, il est servi de belle façon par la mise en scène de Jacques Lassalle. On comprend vite combien la déchirure de ces couples s'inscrit dans leur incapacité à établir un dialogue serein et attentif. L'un est aussi étranger à l'autre qu'il l'est à lui-même. Les personnages de Raymond Carver sont des êtres "rangés" dans une catégorie sociale, ils sont imprégnés par les signes et les valeurs de cette catégorie, ici, la classe moyenne. Alors ils perdent vite leurs moyens lorsque les signes et le langage de leur condition s'avèrent impuissants pour exprimer l'intériorité de leurs sentiments. Ils souffrent autant qu'ils font souffrir l'autre dans un ballet où s'entrecroisent le silence et le trop et mal dit. Rejoignant en cela Tchékhov et Hanokh Levin, les personnages de Raymond Carver sont plus agités par leur condition qu'ils n'agissent sur elle.

Raymond Carver avait aussi une profonde admiration pour Kafka. Cela n'a pas du échapper à Jacques Lassalle, car sa mise en scène arrive à faire une jonction entre l'univers de Tchekhov et celui de Kafka afin de mieux servir celui de Carver, du royaume des étrangers à celui de l'étrangeté, en quelque sorte. Etrange le silence de l'homme dans "Intimité", étrange l'incapacité de l'homme à ne pas reconnaître l'écriture de sa femme dans "Le bout des doigts". Etrangeté qui tire vers le burlesque quand le shérif demande au romancier de ne pas faire d'histoires! Romancier qui dira plus loin: "Mon histoire m'a quitté, je vais devoir continuer à vivre sans histoires, l'histoire va devoir se passer de moi, désormais"

L'interprétation des comédiens est d'une belle justesse. Catherine Rétoré tour à tour émouvante et pugnace, Jean-Philippe Puymartin émouvant lui aussi jusque dans les silences.

La belle harmonie entre la mise en scène, la scénographie, le son et les lumières jointe à l'interprétation font de "Parler moi d'amour" un des plus beaux spectacles de cette fin d'année. Créé au théâtre Vidy-Lausanne et coproduit par lui, gage de qualité, cette création mérite vraiment un bel avenir.

L'Eden Cinéma de Marguerite Duras

Mise en scène de Jeanne Champagne

Avec: Sébastien Accart, Fabrice Benard, Agathe Molière, Tania Torrens, Sylvain Thirolle

Scénographie: Gérard Didier, Lumières: Franck Thevenon, Son: Bernard Vallery

Le théâtre n'est pas un produit manufacturé, un conglomérat de bonnes réponses, souvent dans l'air du temps, d'où l'on sort avec la confortable impression d'avoir compris. Il doit être le lieu du questionnement, du mystère, de la suspension.

Un bon spectacle se reconnaît par sa capacité à ne pas se terminer avec sa seule représentation. On sort du théâtre avec deux plaisirs: celui du spectateur ravi par ce moment passé, et celui de la promesse d'autres moments à venir. Ceux de la réflexion. C'est ce sentiment que j'ai éprouvé au sortir de "L'Eden Cinéma" mis en scène par Jeanne Champagne.

Connaissant peu l'œuvre de Marguerite Duras, mais ému par ce que je venais de voir, je partis en quête de savoir ce qui pouvait bien m'agiter ainsi.

Dans ces moments, plus ou moins longs, qui suivent un spectacle qui m'a bouleversé, me vient à l'esprit un mot ou une image qui, sans savoir trop pourquoi, s'impose à moi. Un mot ou une image qui dans un premier mouvement serait la quintessence de ce que je viens de ressentir le temps du spectacle, et dans un second, le point de départ d'une quête de sens.

Ce soir là ce fut l'image d'un marais salant qui s'imposa à moi, plus précisément celle de ces petits bassins rectangulaires où après évaporation, le sel se décante et s'accumule.

L'Eden Cinéma est une adaptation pour le théâtre par Marguerite Duras elle-même de son roman "Un barrage contre le Pacifique". Le récit romanesque y est condensé et transformé en un récit épique. Récit où Suzanne la fille, et Joseph son frère, nous content les déboires successifs de la mère depuis sa fuite du nord de la France où elle était institutrice, jusqu'à son arrivée dans le delta du Mékong dans les années trente, séduite par le discours colonialiste de l'époque. Institutrice le jour, pianiste le soir à l'Eden cinéma, elle achètera avec ses économies une concession qui deviendra vite un enfer. Telle la Mère Courage de Brecht elle fait front à l'adversité. Comme elle, prise dans l'action, le sens lui échappe.

Pour Suzanne, elle est: "Pleine d'amour. Mère de tous. Mère de tout. Criante, Hurlante, Dure, Terrible, Invivable."

Devenue invivable à force de vouloir vivre, voire survivre. En érigeant des digues contre le Pacifique, afin de préserver les terres cultivables du sel menaçant, elle ne sent pas un autre sel qui s'infiltre en elle, l'envahit jusqu'à en faire un être dur et monolithique. Les effets pervers de la colonisation auront sur elle le même effet que la vue de Sodome en feu sur la femme de Loth transformée en statue de sel.

Si dans un premier temps, on peut être déconcerté par un manque de dialogue, de réplique entre les personnages, on comprend vite que le dialogue est ailleurs. Marguerite Duras affectionnait les faits divers. Au-delà du fait par lui-même, elle s'intéressait aux récits et témoignages qu'en faisaient les différents acteurs. Dans "L'Eden Cinéma" le dialogue est entre la réalité et son récit. Les moyens et les formes d'interprétation de la supposée réalité, sont au regard de Marguerite Duras plus révélateur de la condition humaine, que le souci de vérité.

La scénographie presque Fellinienne de Gérard Didier, les lumières de Franck Thevenon et le travail sur le son de Bernard Vallery, créent un univers onirique où la mise en scène et la direction d'acteurs de Jeanne Champagne s'épanouissent afin de nous faire entendre tous les enjeux d'une si belle écriture.

Agathe Molière dans le rôle de Suzanne, et Sylvain Accart dans celui de Joseph, le frère, sont excellents dans leur façon de nous restituer le drame sur le ton de l'innocence. Tania Torrens incarne le rôle de la mère imperturbable. Fabrice Bénard est un M. Jo "latino", non dépourvu d'humour. Sylvain Thirolle est le Caporal, serviteur fidèle à la Mère, prostré et silencieux, mais tellement présent.

J'ai découvert ce beau travail à l'Equinoxe, Scène Nationale de Châteauroux où Jeanne Champagne est artiste associée. Gageons qu'un bel avenir lui est promis. Je ne manquerai pas vous signaler sa reprise en d'autres lieux.