Modeste contribution

Auteur : Dominique Wittorski
Mise en scène : Jean-Marie Lejude
Avec : Dominique Wittorski, Caroline Guth

Au Théâtre du Lucernaire, jusqu'au 25 février,  du mardi au samedi à 19h

C'est dans la bien nommée salle du Paradis au Lucernaire qu'avec "Modeste contribution" nous allons connaître l'enfer du décor, où comment derrière le verbiage de la raison, du progrès et de la paix se tient tapie, la barbarie.

Présentée par sa collaboratrice (Caroline Guth) comme étant un expert, c'est en véritable prédicateur  que Dominique Wittorski va s'efforcer de nous convaincre des bien-fondés de la nécessité de rétablir la peine  de mort pour tous les délits. Ce brave homme est bien sûr au-dessus des vues partisanes, qu'elles soient politiques ou idéologiques. L'heure est grave, il donne de sa personne et de son savoir à la société, ce n'est plus le moment de s'embarrasser de futilités telles que les sentiments et la morale. Il faut é-li-mi-ner!

D'emblée, auteur et comédien de son spectacle mis en scène par Jean-Marie Lejude, Dominique Wittorski crée le trouble en prêtant son nom au principal protagoniste, pour ensuite dans un  spectacle qui tient tout à la fois de la farce et de la tragédie, nous inviter à nous interroger sur notre présence au théâtre (un spectacle qui se donne en société) et celle qui est aussi la notre devant les messes médiatiques (une société qui se donne en spectacle).

On peut bien sûr considérer cette  pièce comme salvatrice en ces temps préélectoraux.  Mais ce qui en fait la force c'est son universalité, et qu'au-delà des fins les plus horribles, ce sont les moyens qui sont ici interrogés. Dans un premier temps nous rions, la rencontre du simplisme des moyens face à l'énormité de la fin crée la farce.  Mais le simplisme de cette rhétorique fait de sens pratiques, de raison, voire de raisonnable, flatte à notre insu la paresse et un certain conformisme de notre pensée. Dominique Wittorski et sa "Modeste contribution" réveille l'éventuel  dindon qui pourrait dormir en nous et risquerait d'être celui de la farce. Bravo!
 

La mastication des morts, oratorio in progress de Patrick Kermann

 
Adaptation et Mise en scène : Olivier Lacut, assisté de Laurianne Gadais
Collaboration chorégraphique : Anna Rodriguez
Scénographie : Sara et Davide Comelli
Décors : Samuel Dallez, Guillaume Lacut
Lumières et son : Fabien Aumeunier
Avec : Olivier Lacut

Au  Théâtre des Déchargeurs, les lundis, jusqu'au 27 juin.
 

Un homme se rend dans le village de son enfance. De la place de la Mairie à la Grande rue en passant devant le café de la mère Pascale, il se remémore les différents visages d'habitants aujourd'hui disparus: "Mort, le village m'apparut mort de ses occupants". Ses pas l'emmènent au cimetière, il s'y endort près de ceux gagnés par le sommeil éternel.    

La "Mastication des Morts" de Patrick Kermann est  un texte de théâtre ouvert. La frontière entre la vie et la mort abolie, notre subjectivité vagabonde alors par-delà les catégories, clivages et manichéismes  qui se révèlent être autant d'obstacles à notre imaginaire. A tous les possibles nous sommes ici tenus.

                                                                           photo © Yann Rossignol

Le texte de Patrick Kermann est diablement malin. Il est à la fois le minerai brut et le bijou finement ciselé. Une écriture proche de celle de Georges Perec.

Au tout début, sur un écran, en fond de scène  est projeté une citation de La Bruyère: " Il n'y a pour l'homme que trois événements: naître, vivre et mourir ; il ne se sent pas naître, il souffre à mourir et il oublie de vivre". Et sur la fin, la parole de Riboux Mariette née Levrault 1945-1989: "je dis/la terre aux vivants/rendons la terre aux vivants/je dis".

C'est entre ces deux jalons  qu'Olivier Lacut tend son fil et prend de la hauteur en nous proposant son imaginaire au travail par sa mise en scène et son jeu.

Un numéro d'équilibriste  où les déplacements du corps du comédien  accompagnent  et croisent les mots d'outre-tombe dans un ballet quasiment surréaliste.

L'interdit et le non-dit enterrés, les mots font surface tels des feux follets après la décomposition du mieux-disant, ils se livrent alors à une parole où   l'atrocité côtoie la tendresse, le rire le cri, le coup la caresse.

Par-delà les faits divers ou les livres d'histoire avec leurs infanticides, parricides, génocides, leurs accidents stupides, les mots  prennent ici une dimension poétique.

                                                                              photo © Yann Rossignol

Sur l'écran du fond de scène apparaît les noms de ceux qui parlent, gravés aussi parfois sur les monuments aux morts de nos villages, les noms de ceux tombés en obéissant aux ordres de la "grande muette".

Le jeu tout en nuances d'Olivier Lacut, la qualité du travail sur le son et la lumière, nous plongent  toute la durée du spectacle dans un univers où l'inquiétude et l'espoir, les rires et les larmes tendent à l'unisson vers un urgent et infini désir de vivre.

A noter que si le théâtre des Déchargeurs sait accueillir de jeunes compagnies au talent prometteur,  il offre aussi les murs de son bar à d'autres créations. En ce moment  on peut y découvrir les "Sariennes"  de Sandrine Mondary. De belles acryliques sur lin naturel, où des couleurs flamboyantes s'allient à des courbes sensuelles où s'estompe la frontière entre le  charnel et le minéral.

Au pied du mur sans porte

Ecrit et mis en scène par: LAZARE

Scénographie : Marguerite Bordat

Chorégraphie : Conseil chorégraphique Marion Faure 

Comédien : Anne Baudoux, Julien Lacroix, Claude Merlin, Mourad Musset, Yohann Pisiou, Claire-Monique Scherer

Musicien : Benjamin Colin, Frank Williams 

Lumière : Bruno Brinas

Son : Composition sonore Benjamin Colin, Frank Williams 

Amateurs de théâtre pour qui la finalité n'est pas de comprendre, pour qui l'empressement à savoir si vous avez aimé ou non n'est pas si important, bref si, de vous retrouver à la porte de chez vos opinions ou convictions face à un mur d'incertitudes ne vous fait pas peur, alors courrez voir "Au pied du mur sans porte".

Faites le mur et ouvrez grandes vos portes. Vous allez entendre les bruits et les mots de la cité, de la zone, de la marge. Les dérangés, les décentrés, les étrangers, sont là, à ne pas vous attendre. Quand bien même vous auriez payé et réservé votre place, vous aurez l'étrange sensation d'arriver à l'improviste.

Ici la parole se coupe, se fragmente. Le sens s'interdit et les voix sont sans issues face au mur de la domination et de ses sirènes "compatissantes" ou policières. Toute agitation devrait cesser et le sommeil régner grâce aux somnifères licites ou non.

Face à cette coexistence pacifique souhaitée, le théâtre de Lazare oppose et propose une coexistence poétique.

Les cités de banlieue, Lazare les connaît, il y est né. Sachant à peine lire et écrire, il va être accueilli au Théâtre du Fil à Savigny/sur/Orge. Dans ce lieu où aucun niveau scolaire n'est exigé il va prendre ses premiers cours de théâtre. Ce sera pour lui une véritable révélation. Ensuite il sera accueilli à l'Ecole du Théâtre National de Bretagne et jouera sous la direction de Stanislas Nordey. Il y rencontrera aussi Claude Régy qui aura sur lui une belle influence.

Lazare nous propose une plongée dans le quotidien des cités en suivant le parcours de Libellule, enfant issu de l'émigration et en proie à une grande agitation. Ce n'est pas par des effets de bonnes paroles et d'indignations que fonctionne le théâtre de Lazare. On n'en sort pas avec la confortable impression d'être du bon côté. Pas de message, mais une invitation au voyage dans les contrées troubles et singulières de l'enfance et de l'adolescence.

Seul dans sa chambre, Libellule (Mourad Musset) en prise à son imagination casse son jouet, de cette fracture naît son double (Claude Merlin). A partir de cette idée forte Lazare tisse son écriture et sa mise en scène et nous entraine vers une perception poétique d'un domaine où l'apriorité se devrait d'être essentiellement politique.

L'originalité et la vigueur de l'écriture de Lazare repose sur sa capacité à entrelacer les antagonismes jusqu'à les unir: Dans un même espace-temps, cohabitent la mort et la vie, l'autre et son double, le mur et la porte. En proposant un dépassement du manichéisme, Lazare offre au spectateur un nouveau champ de vision et de sensibilité. Le propos n'est plus de savoir ce qui oppose, mais ce qui désunit.

En créant l'analogie entre l'agitation des cités et celle qui traverse Libellule, Lazare nous renvoie à la nôtre et à la fragile union entre être au monde et naître à lui.

Sur le plateau, une belle cohésion servie par un savoir faire et une énergie sans faille des comédiens. Musiques, chants et textes communient à l'unisson afin de nous faire entendre toute la poésie de cette création vraiment singulière et originale.

Ce spectacle à été donné à L'Echangeur à Bagnolet. Je ne manquerai pas de vous signaler sa reprise en d'autres lieux.

Sinon il est possible de voir le précédent spectacle de Lazare: >strong>"Passé - je ne sais où, qui revient" à la Comédie de Béthune(62) du 15 au 17 février.